¿Alguna vez te has preguntado cómo los guitarristas consiguen esos sonidos que parecen venir de otra galaxia? Durante décadas, esos pequeños aparatos situados a los pies de los músicos han sido los arquitectos invisibles de nuestras canciones favoritas.

Para desentrañar este misterio, me he sentado a charlar con Vicent y Jota, de la banda Dramatics. Con ellos, hemos viajado al laboratorio sonoro de los años 90 para entender por qué un pedal es mucho más que un simple botón de encendido y apagado.

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El pedal: ¿Filtro de Instagram o laboratorio alquimista?

Si quieres una analogía rápida, piensa en un pedal como en un filtro de Instagram para el sonido. Así como usas un filtro para acentuar la luz o el contraste de una foto, los músicos usan pedales para “colorear” la onda de su instrumento.

Pero Jota lo define mejor: “Más que un filtro, es una cocina o un laboratorio”. No se trata solo de adornar; en los años 90, el pedal se convirtió en una herramienta compositiva. No es que el efecto te haga tocar mejor, es que te da las “especias” necesarias para que lo que sientes en tu cabeza llegue realmente al pecho del oyente.

El mito del “Muro de Sonido”: ¿De dónde sale ese ruido?

Si cierras los ojos y piensas en discos como los de The Smashing Pumpkins, recordarás que sus guitarras no sonaban normales. Parecían no caber dentro del CD. Ese “muro” de sonido tiene un responsable con nombre y apellidos: el Big Muff de Electro-Harmonix.

Fue el Santo Grial de la época. Para muchos guitarristas jóvenes de los 90, conseguir ese pedal era el objetivo final. ¿El secreto? Es una distorsión llevada al extremo, una caja de aluminio grande que produce un sonido gigante.

Errores felices: La historia detrás del “Fuzz”

Lo más fascinante de la tecnología musical es que muchas veces surge del error. El efecto Fuzz, por ejemplo, nació de un amplificador roto en una sesión de música country en los 60. Ese sonido “roto”, que imitaba a un abejorro, resultó ser una mina de oro. Keith Richards lo llevó a la fama en Satisfaction, y desde entonces, la historia del rock cambió para siempre.

A veces, para crear algo nuevo, simplemente tienes que “romper” la máquina.

¿El fin de los amplificadores? La revolución digital

Durante nuestra charla, salió un debate candente: ¿Las nuevas pedaleras digitales (como las Helix o Kemper) suenan igual que los equipos clásicos?

Hoy en día, puedes meter 300 efectos y emuladores de amplificadores legendarios en una caja que pesa un kilo y medio. Para el músico que gira y tiene que cargar equipo, es una bendición.

• La ventaja: Consistencia. Suenas igual de bien en cualquier sala del mundo.

• El matiz: Algunos puristas dicen que es “demasiado perfecto” y pierde esa calidez artesanal de los cables y válvulas.

Sin embargo, bandas como Havalina demostraron que, si sabes configurar tu equipo digital, el oído humano apenas puede notar la diferencia. La tecnología ha democratizado la capacidad de sonar profesional sin dejarte la espalda cargando altavoces.

Los pedales que cambiaron las reglas

• El Phaser: Heredero de los altavoces giratorios de los 40, es lo que da ese toque psicodélico que tanto le gustaba a Billy Corgan.

• El Digitech Whammy: El arma secreta de Tom Morello (Rage Against the Machine). Permite cambiar la afinación en tiempo real y crear sonidos robóticos y espaciales que crispan y emocionan a partes iguales.

Al final, los pedales nos demuestran que la música es una combinación de técnica, mucha experimentación y, sobre todo, la valentía de jugar con el sonido hasta encontrar algo que realmente te haga vibrar.

Y tú, ¿cuál es ese sonido de guitarra que escuchaste por primera vez y te hizo decir: “¿Pero qué es eso?”?

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He dado ya muchas vueltas al sol; las suficientes para admitir que mi relación con la música empezó en los ochenta con un walkman. Con él, yo decidía qué escuchar, lejos de los vinilos o de la radio que sonaban en el salón de casa. Era un acto de rebeldía en toda regla. Hasta donde las pilas lo permitían, podías reproducir un disco o una canción docenas de veces antes de cambiar la cinta. Y sí, podías escuchar música mientras escribías una carta, dibujabas, hacías deporte, terminabas los deberes... o, simplemente, te dedicabas a escuchar.

Y es que ni antes éramos mejores —¿o ya no os acordáis de la cantidad de horas que pasábamos delante del Spectrum esperando a que cargara un juego?—, ni los jóvenes de ahora están «empanados». Simplemente, el tiempo les ha enseñado que lo barato sale caro. Cuando Spotify nació en 2008, la suscripción era asequible y prometía acceso a toda la música del mundo. En teoría, todos ganaban: los artistas mostraban su obra y los usuarios decidían qué reproducir. Pero los años pasan, los algoritmos aprietan, muchos artistas han retirado sus catálogos y esos mismos usuarios están volviendo a los reproductores dedicados. ¿El motivo? Buscar paz mental y, sobre todo, recuperar el poder de decidir qué escuchar.

Os dejo un pequeño vídeo de Maialen Lleó donde trata el tema:

Nunca he sido usuario de Spotify, pero hace unos años empecé a pensar en qué momento se jodió todo y cuál fue la última vez que la tecnología impulsó de verdad a la música. El iPod, como dispositivo, nos devolvía la autonomía a esos frikis a los que nos encantaba devorar discos enteros en los viajes largos. Aquello ocurrió en 2001.

El caso es que, durante la cuarentena, grabé un programa hablando de este tema. Hoy recupero ese audio para compartirlo con vosotros porque estoy seguro de que os gustará (o, por lo menos, os hará pasar un buen rato y reíros un poco).

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Además, proyectaremos el documental ‘Bienvenidos a la radio’, una pieza que indaga en la historia reciente de las ondas y la evolución de los medios, con la participación de figuras como Paco Pérez Bryan, Virginia Díaz, Julio Ruiz y Amparo Llanos, entre otros. La cinta llega a una conclusión clara: sin pasión no hay verdad.

¿Cuándo? Sábado 16 de mayo a las 17:30 h.

¿Dónde? Espai Llimera (un sitio increíble, con bar y muy cómodo).

¿Precio? Entrada gratuita.

Es nuestro primer directo vez en Valencia y tengo muchas ganas de degustar y entender mejor su escena musical.

Para ir abriendo boca, ya puedes escuchar el programa especial donde explicamos cómo se gestó este evento y donde puedes escuchar a la bandas que participarán.

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¿Cuántas veces ha sucedido en la historia de la música? Me refiero a esa extraña sensación de hallarse ante canciones tan excelsas que logran perdurar durante décadas, impactando a nuevas generaciones, pero que en realidad son la fotografía de un instante fugaz.

Ocean Colour Scene no lo tuvo fácil. Tras el fracaso de su debut, tuvieron que pasar años de incertidumbre e incluso hipotecar la casa del padre de Steve Cradock para poder regresar. Lo hicieron impulsados por el infalible olfato de Paul Weller, quien supo ver que aquella banda estaba a una distancia sideral del efímero fenómeno Britpop.

Pero el “Modfather” no fue el único en ver la luz. Noel Gallagher, el arquitecto de himnos como Live Forever o Wonderwall, se enamoró de su sonido y los invitó a abrir los directos de Oasis. En ese contexto de efervescencia nació ‘Moseley Shoals’, considerado por muchos como el verdadero punto de partida de la banda.

En aquel disco, las canciones empezaron a hablar por sí mismas; fueron ellas quienes nos buscaron y, gracias a su calidad, todo cobró sentido. Al menos por un tiempo. Sin embargo, al observar las cifras actuales, surge una reflexión inevitable:

The Riverboat Song tiene 48 millones de escuchas en Spotify, The Day We Caught the Train 68 millones.

Wonderwall de Oasis tiene 2.700 millones de reproducciones o Dont look back in anger 1.400 millones.

Incluso joyas de su posterior Marchin’ Already, como Hundred Mile High City (20M) o Travellers Tune (7M), palidecen en volumen frente a los gigantes de Manchester.

Nota importante: No pretendo decir que una canción deba valorarse únicamente por su reconocimiento masivo. Mi punto es que, cualitativamente, no existe una distancia tan abismal entre estas composiciones.

Bucear en la historia de la música ofrece recompensas como esta: descubrir que, más allá de los miles de millones de reproducciones, existen discos donde la magia permanece intacta, esperando a ser redescubierta por quienes buscan algo más que un simple éxito de radio

En septiembre de este año Ocean Colour Scene regresan a España y yo ya tengo mi entrada. ¿Nos vemos allí?

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El programa contó además con Jonás MF, referente indiscutible de la zona, quien lleva años impulsando la música local a través de SANCOCHO.COM (os recomiendo explorar su increíble archivo de vídeo). Precisamente, aprovechando el viaje, documenté la experiencia con un par de cámaras. Aunque el resultado es amateur, creo que merece la pena compartirlo para que podáis comprobar, con vuestros propios ojos, la enorme calidad de las bandas participantes.

El programa tuvo lugar en la Casa Ajei de San Bartolomé, una edificación de 1720 que conserva intactos la esencia y el encanto de la arquitectura canaria. Actualmente es de titularidad municipal, y el Ayuntamiento nos cedió gentilmente el espacio para el evento. Realizamos la prueba de sonido antes del almuerzo, bajo una temperatura inmejorable; fue el momento perfecto para saludar y conocer finalmente en persona al resto de las bandas.

A eso de las 17:30, y con el acceso gratuito para todo el público, iMtiMa dio comienzo a la jornada con su rock intenso y lleno de capas. Es evidente el trabajo que Jonay, Sabri y Gastón han puesto en este proyecto: logran un sonido que golpea directo al interior. Son un power-trio en estado puro que aprovecha cada nota, convirtiendo su escucha en una experiencia en la que merece la pena adentrarse.

Poco después saltaron a escena AJEEB, la banda de Cucho, Sara y Rafa. Su sonido es, quizá, el que más se aproxima al rock alternativo que suelo pinchar en el programa, y posiblemente por eso fue el concierto que más disfruté. Tras compartir bastante tiempo con ellos, he descubierto a tres personas increíblemente trabajadoras y auténticas, que estuvieron atentas en todo momento para que nos sintiéramos como en casa. Es asombroso que solo tres músicos logren una pegada tan contundente. (No os perdáis su directo dentro del programa, merece mucho la pena).

Los siguientes en tomar el escenario fueron Sickmen. Con una formación tan ecléctica como su sonido —Luca (italiano), Óscar (madrileño) y Francis (canario)—, el grupo ofrece una propuesta afilada y sin concesiones. Una vez más, nos encontramos ante un trío capaz de levantar un muro de sonido que te mantiene hipnotizado, sin dejarte apartar la mirada ni un segundo. Personalmente, estoy deseando escuchar el nuevo material que acaban de grabar."

El broche de oro lo pusieron Los Iguales. Con Ángel, Nico, Elio y Abel sobre las tablas, quedó claro por qué son una de las formaciones más respetadas de Lanzarote; su veteranía y el mensaje punzante de sus letras no dejaron a nadie indiferente. Esta jornada ya forma parte de la memoria de Bienvenido a los 90, no solo por los directos, sino por los testimonios de los músicos sobre su propia realidad. Nos dejaron una lección clara: la escena local es un tesoro que debemos proteger entre todos si no queremos que se extinga.

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Cuando pienso en los discos de mi vida, aquellos trabajos que de verdad me han impactado, uno de ellos es, sin duda, Mellon Collie and the Infinite Sadness. Era octubre de 1995 y The Smashing Pumpkins estaban a punto de tomar el relevo como mi banda favorita gracias a un doble álbum sin parangón en mi añorada década de los 90.

La elegancia y la profundidad de su portada ya daban pistas sobre el universo casi inabarcable que Billy Corgan tenía en su cabeza. Su intención era colocar a su banda un peldaño por encima del resto. En ese doble CD encontrábamos canciones que nos recordaban a los mejores momentos de la música alternativa noventera, como 'Jellybelly', 'Zero', 'An Ode to No One' o 'Bullet With Butterfly Wings'; pero, al mismo tiempo, nos adentraba en parajes mucho menos accesibles y complejos como 'X.Y.U.', 'Porcelina of the Vast Oceans' o 'Where Boys Fear to Tread'.

Muy fan del arte de John Craig

Ese vasto mundo creativo se expandió aún más en noviembre de 1996 cuando salió a la venta The Aeroplane Flies High, una caja que recopilaba los cinco singles del disco y añadía muchísimo material extra de aquellas sesiones. Ya por entonces costaba creer que todo aquello hubiera salido de la mente de un único compositor en un periodo tan corto de tiempo. Sin embargo, lo que realmente te vuela la cabeza es la reedición de 2012, donde se incluyeron 64 pistas inéditas en el disco y se amplió la caja de singles pasando de 28 rarezas a 57.

En 2025, Mellon Collie cumplió 30 años y una nueva reedición vio la luz. Esta vez se actualizó la portada y se añadieron 14 pistas grabadas en directo durante la gira de 1996. Estas grabaciones recogen un periodo muy importante y único, ya que sería la última vez que la formación original tocaría esas canciones. El trágico fallecimiento de Jonathan Melvoin por sobredosis de heroína y la consiguiente expulsión de Jimmy Chamberlin fueron el principio del fin para aquella encarnación de la banda.

Con el lanzamiento original en 1995, Corgan puso mucha distancia respecto al resto de compositores de su generación, un tema sobre el que él mismo reflexiona en las notas del libreto de esta nueva edición. Aunque otras bandas manejaban mejor a la prensa del momento, la perspectiva que da el tiempo nos permite ver que sus canciones han palidecido, mientras que las de Mellon Collie siguen destilando la misma energía de antaño.

Y hablando de energía, cuando Billy, Jimmy, James y D’arcy salieron de gira a finales de 1995 para presentar estas composiciones al mundo, lograron profundizar en ellas y arrastrar a la audiencia a su abismo mágico. Además, concierto a concierto, notas cómo van endureciendo su sonido, con un Corgan que sacaba a pasear sus demonios y los aplastaba a base de riffs de guitarra noche tras noche. Es un periodo tan apoteósico y clave en la historia de los Pumpkins que, ojalá, en algún momento se edite de manera oficial un disco con un concierto íntegro de la época. A ser posible, que ocurra antes de la reedición por su 40 aniversario.

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Por último en 2020 rendimos un homenaje al disco invitando a que 16 bandas emergentes entre ellas Hermana Furia, Le Mur, Ava Adore, Rosy Finch + Monty Peiró, Musk, Susie Vicha o Vanity Rose reconstruyeran sus canciones. Lo llamamos Mellon Collie and the Infinite Woman porque nos apetecía que todas las canciones fueran cantadas por mujeres.

Puedes escucharlo desde nuestro BANDCAMP

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Cuando la fama mundial llamó a su puerta en 1995, Thomas Gallagher, su padre, reapareció. El tabloide News of the World le pagó una suculenta suma para que montara un número delante de sus hijos, con toda la prensa atenta a la jugada. Sin embargo, por aquel entonces Noel ya tenía claro que lo que quedaría, cuando todo pasara, serían las canciones.

Toda aquella furia reprimida de su infancia salía a la luz en momentos puntuales y, de paso, ayudaba a vender miles de ejemplares de revistas como NME o Melody Maker.

Estas son algunas de las perlas que Noel regaló al mundo durante la época dorada del britpop:

• "Espero que el bajista [Alex James] y el cantante [Damon Albarn] pillen el sida y mueran porque los odio".

• “Consumir drogas es como tomarse una taza de té por la mañana. Si hubiera medallas de oro por tomar drogas para Inglaterra, yo habría ganado un montón”.

• "Somos más grandes que Dios y pronto seremos más grandes que los Beatles"

• "Si fuera Primer Ministro mis leyes serían: fuma donde quieras, bebe lo que quieras... Legaliza las drogas. Mata a toda la gente que le guste el grunge. Mata a todos los surfistas... Cualquiera que use un sombrero de vaquero debería ir a la silla eléctrica"

• “La gente odia a los imbéciles como Phil Collins, y si no lo hacen, ¡deberían hacerlo!”.

• “Los que ya pasaron de moda no deberían presentar a los que somos el futuro” (En los premios Brit de 1996, al recibir un premio de manos de Michael Hutchence de INXS)

• "Kylie Minogue es solo una pequeña idiota demoníaca, en lo que a mí respecta"

• “George siempre fue el Beatle más callado y tranquilo, quizá debería seguir con esa postura” (Cuando George Harrison dijo que Oasis era poco más que una moda pasajera)

Eran realmente insoportables cuando se ponían en ese plan, y a veces ni siquiera la inmensa belleza de sus canciones lograba hacer olvidar la estupidez de sus declaraciones. Muchos nunca llegamos a entenderlo más allá de ser una agresiva jugada de marketing, mientras la banda no paraba de ascender en las listas de éxitos.

Ahora que han pasado tres décadas de todo aquello, ambos hermanos miran la vida desde otra perspectiva. Los dos han sido padres —Liam incluso se convirtió en abuelo recientemente— y ambos han intentado criar a sus hijos en armonía, con mayor o menor acierto.

Noel cumplirá 59 años el próximo mes de mayo, y hace unas semanas recogió un nuevo premio BRIT, esta vez como Mejor Compositor del Año. En el breve discurso que ofreció, reconoció el mérito de su hermano y del resto de músicos que han pasado por la banda durante su existencia. Fue un gesto cargado de emotividad y muy inusual en la historia del grupo:

• “Voy a empezar diciendo que tengo que agradecer a mi hermano. Y a Bonehead, y a Guigsy, Tony McCarroll, Alan White, Gem y Andy. Ellos le dieron vida a esas canciones. Sin ellos, yo solo sería un cantautor y a nadie le importa una mierda los cantautores. Pero más importante aún, me gustaría daros las gracias a vosotros, la gente que ha mantenido estas canciones vivas durante los últimos 35 años. Sin vosotros... nos habéis dado la vida más extraordinaria y muchas gracias por eso. Que paséis una gran noche.”

Justo en ese momento, Liam Gallagher agarraba su teléfono móvil y rendía pleitesía a su hermano en redes sociales, asegurando que es el mejor compositor que ha visto su país desde Lennon y McCartney.

No sabemos si Thomas Gallagher, el padre de Liam y Noel, sigue vivo, pero parece evidente que sus hijos han encontrado algo de paz tras una carrera repleta de momentos agridulces. Han conseguido arreglar sus diferencias, llevar a cabo la ansiada reunión de su banda y, lo más importante, seguir haciendo felices a millones de fans en todo el planeta.

Os dejo el enlace al programa 1109 titulado Noel Gallagher, mejor compositor en los BRIT 2026

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A pesar de los años transcurridos desde la muerte de Steve Jobs, su nombre sigue resonando en los despachos como el mantra definitivo (¡¡huye!!). Todos quieren ser Jobs: hablar como él, presentar como él y tener sus ideas para revolucionar el mercado, pasar a la historia y, de paso, llenar las arcas y el ego.

Cuando el iPod nació, no existía nada tan genial ni intuitivo para quien buscara autonomía musical. Guardo un gran cariño a mi dispositivo; aún lo conservo, aunque rara vez lo encienda. Sin embargo, el iPod se ha puesto de moda otra vez.

Periódicamente, surge un artículo o un vídeo romantizando los “años dorados” de la resurrección de Apple. Se argumenta que un dispositivo dedicado nos ayuda a concentrarnos en la música, pero se omite que marcas japonesas, chinas o coreanas llevan años perfeccionando reproductores portátiles (DAPs) para audiófilos con una calidad técnica muy superior.

Volviendo al programa del 2020, al crear contenido es fácil dejarse llevar por el corazón. El problema surge cuando, con el paso del tiempo, te empeñas en defender una idea obsoleta; es ahí cuando tu audiencia empieza a detectar un cierto tufillo a rancio.

Por eso hoy quiero enseñaros varios ejemplos de como los creadores de contenido pueden influir de forma negativa cuando recomiendan tecnología:

El primer vídeo (puedes encontrar cientos) que quiero compartir donde es uno bastante reciente de Víctor Abarca donde a pesar de tener un título fantástico, si rascamos un poco vemos que el mensaje es aspiracional: te invita a formar parte de un "club" donde gastar 800$ en un iPod modificado (USB-C, Bluetooth, SD y batería de 4000mAh) para que, meses después, acabe en un cajón mientras corres a comprar otro iPod, esta vez un Nano de 5ª Generación. Una dinámica muy propia de Apple, ¿verdad? No tengo nada en contra de creadores como Víctor —su estética es impecable—, pero el trasfondo de su mensaje se siente anacrónico.

Cuando agudizas el olfato, descubres a otros creadores que, con menos presupuesto pero más honestidad, ofrecen respuestas pegadas a la realidad. Patricio, por ejemplo, lanza preguntas incómodas en apenas seis minutos: "¿Cuándo fue la última vez que compraste algo porque funcionaba mejor, y no porque se veía mejor?".

Si te sientes confundido, no es tu culpa. Existe un presupuesto escandaloso destinado a decirnos qué debemos comprar según la época del año. Por eso, mi consejo es que investiguéis en canales que realmente analicen el rendimiento técnico de diferentes marcas. Uno de mis favoritos es Testa Do, donde hablan de muchos aparatos diferentes y dan un valor especial al audio. No os perdáis sus vídeos sobre los LG V50 y V60.

Os invito a comparar la filosofía de estos tres creadores y decidir con cuál os identificáis. Aplicad este espíritu crítico a todo: desde la compra de un gadget hasta la escucha de un podcast musical. Sed críticos y no os conforméis con lo que mejor luzca.

No soy ningún experto en el mundo del audio pero mi reproductor actual es un FiiO M7. Lo compré de segunda mano en Wallapop hace unos años por 60€. Aunque ya tiene su edad, me encanta porque ofrece algo que los dispositivos modernos casi siempre olvidan: una radio FM y una batería que aguanta el tipo.

De momento, no siento necesidad de cambiarlo, aunque me encantaría leer en los comentarios vuestras recomendaciones: ¿Qué reproductor de música usas en 2026?

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Pero.... ¿Qué hacía Mike McCready (guitarrista de Pearl Jam) paseando por el barrio de Lavapiés? JuanRa nos habla de su encuentro con “Miguelito” y la curiosa conexión del músico de Florida con el centro de Madrid.

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El otro día, mientras conducía, iba saltando por el dial de la FM hasta que me topé con Queen en Rock FM. A Freddie Mercury le siguió Nirvana y, acto seguido, los Red Hot Chili Peppers empezaron a sonar. Entonces, la voz de un simpático locutor anunció que estaba escuchando “Una hora de rock sin pausas”. En ese momento, algo hizo clic y las preguntas empezaron a atropellarse en mi cabeza.

Rock FM congrega a casi un millón de oyentes diarios según el último EGM. Entiendo el reclamo: mucha gente solo busca una compañía sonora familiar que no exija demasiada atención. Sin embargo, nunca lo había visto desde esa perspectiva hasta ese trayecto en coche, donde empecé a organizar mentalmente mi propia primera hora de Grunge sin (casi) pausas.

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El grunge llegó a mi vida en la adolescencia y jamás me abandonó. Todo estaba allí, esperando a ser descubierto por un chaval que alucinaba con el contraste de una melodía pegadiza y una distorsión salvaje.

Mis recuerdos son una mezcla de texturas: desde los riffs alucinantes de Stone Gossard a los gritos desesperados y viscerales de Kat Bjelland. Desde la pegada técnica de Jimmy Chamberlin a las líneas magnéticas de bajo de Kim Deal.

Aquellas bandas no solo tenían voces increíbles; proyectaban una estética que encajaba perfectamente con lo que veía en mi ciudad. Botas, vaqueros gastados, camisetas y/o camisas de cuadros. Aunque el género acabó devorado por el marketing, para mis amigos yo siempre fui, simplemente, “el grunge”.

Ya contaré mi viaje a Seattle en otra ocasión, pero es un lugar mágico donde aún puedes sentarte en las escaleras de los apartamentos de la película Singles. Es una ciudad donde siguen ocurriendo cosas. Aunque algunos garitos míticos han desaparecido o se han mudado, otros mantienen sus escenarios abiertos a nuevas promesas que recogen el testigo.

Definir el grunge siempre fue complejo. Más allá de la “denominación de origen” geográfica, era difícil meter en el mismo saco la crudeza de Mudhoney con el instinto pop de Nirvana. Además era una escena repleta de proyectos paralelos que descubrías con meses de retraso porque, a principios de los 90, el mundo aún no estaba súper-conectado.

Lo más importante, y que a veces se olvida, es que las mujeres fueron pilares fundamentales del movimiento. Su presencia logró que, a miles de kilómetros de distancia, muchas chicas no se sintieran excluidas y se atrevieran a formar sus propias bandas de rock.

Hoy, con la perspectiva del tiempo, agradezco la radical honestidad de aquellos ídolos. Con sus carencias y sus problemas, mantuvieron una visión pura de su arte. El grunge sigue MUY vivo en el corazón de quienes tuvimos la suerte de vivirlo y por eso debemos seguir contándolo desde el programa.

¿Qué bandas de aquel movimiento sigues escuchando en 2026?

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En un mundo dominado por las pantallas, lo lógico parece ser "estar en todas partes". Sin embargo, no hace tanto, el audio (radio) y el video (tele) eran ecosistemas distintos. Mientras la televisión te entrega el "pack completo", la radio te obliga a usar una de nuestras armas más poderosas: nuestra imaginación. Y no es por elegir entre papá o mamá, pero para mí la radio siempre fue la clara ganadora.

Recuerdo mis 90’s, pegado al dial, buscando una voz que me transmitiera verdad. En aquella época, ponerle cara a un profesional de la radio era casi un ejercicio de investigación, aunque realmente no hacía falta: aquellas personas eran capaces de transportarnos a otros mundos solo con palabras, su timbre y la cadencia de sus voces. Hoy, la realidad es muy distinta. Las grandes cadenas ya no solo emiten en la Frecuencia Modulada, sino que colocan cámaras para que la radio también se pueda ver. Pero lo que realmente me rompe el corazón es que plataformas diseñadas por y para el audio, como Spotify o iVoox, nos inviten ahora a crear contenido en vídeo.

Me quejo pero hace cinco años, decidí documentar en vídeo las visitas en Bienvenido a los 90. Con pocos recursos y planos fijos, empecé a crear vídeos para redes y para guardar un recuerdo futuro. Pero admito que la parafernalia de las cámaras y la posterior edición es demasiado tediosa para una única persona. De hecho, rara vez veo esos vídeos terminados. ¿Por qué? Porque estoy convencido de que Bienvenido a los 90 luce mucho mejor en la imaginación de quien nos escucha que en cualquier pantalla.

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Nos hemos olvidado demasiado rápido de lo que una voz a través de la misteriosa FM nos hace sentir, permitiendo que grandes corporaciones al otro lado del planeta dicten cómo, dónde y cuándo se debe consumir la cultura.

Esta es mi visión desde dentro, pero estoy seguro de que tú tienes otra distinta. Me encantaría saber cuál es, así que te invito a participar en la encuesta y a dejarme un comentario para que, entre todos, encontremos el camino correcto.

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Hemos dedicado incontables horas a analizar ese clásico de los 90 en el programa, y aún guardo el recuerdo nítido de cuando Paco Pérez Bryan estrenó el single «Paranoid Android» en su mítico ‘De 4 a 3’ (Radio 3).

Radiohead lo había logrado; habían esculpido su obra magna anticipándose a un futuro que ya asomaba la cabeza.

La angustia y la tristeza de sus canciones poseían una belleza extraña y adictiva. Aceptamos el disco como un hito instantáneo, sin sospechar que, pocos años después, la banda volvería a maravillarnos con Kid A.

Quizá en este 2026 el concepto resulte lejano, pero en 1997 escuchábamos los discos del tirón, una y otra vez, buscando detalles en el libreto que lo acompañaba. Así, las melodías y detalles calaban en el alma hasta volverse parte de uno mismo.

Esa conexión fue, probablemente, lo que me impulsó veinte años después a reunir a dieciséis bandas para reconstruir el álbum por primera vez en un programa de radio hecho en España. Entre la inexperiencia, la paciencia y la generosidad de los músicos, fuimos encajando las piezas hasta completar las doce canciones originales (a las que más tarde se sumarían los bonus tracks).

Aquella idea de adolescente enamorado cobró fuerza y, gracias al apoyo de quienes rodeaban el proyecto, lanzamos una pequeña edición en vinilo que como podéis imaginar, no fue tarea fácil.

Lo presentamos en la antigua tienda de Delia Records en Madrid con varios directos y mucha ilusión (hicimos hasta chapas). Siempre que recupero el disco y escucho las versiones, me invaden los buenos recuerdos de aquel día.

Y como pasa en muchas ocasiones, sin buscarlo mucha prensa se hizo eco de esta maravillosa locura: El País, El Independiente, 20 Minutos, MondoSonoro e incluso Virginia Díaz de Radio 3 tuvo la generosidad y valentía de prestarnos 180 Grados para enseñar el disco en dos sesiones.

No fui consciente, en aquel momento, del revuelo generado pero cuando miro atrás y veo a tanta gente implicada, me produce una sensación tremenda de vértigo y orgullo. ¡Hicimos un gran trabajo! (Y teníamos otro logotipo).

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OK Computer Revisited fue el germen de lo que hoy es la seña de identidad de ‘Bienvenido a los 90’, inspirando a otros programas de radio musicales a calcar el proyecto años después.

Si entras en nuestro Bandcamp podrás ver que ya son trece los homenajes que hemos publicado (Nirvana, Bob Dylan, Los Planetas, John Lennon, Dover, Marck Lanegan, Oasis, The Smashing Pumpkins…) pero, sin lugar a dudas, aquel primero se quedó grabado a fuego en nuestro corazón.

Escúchalo, compártelo pero, sobre todo, disfrútalo.

Bandcamp B90

Cuando era joven, Londres era el único epicentro cultural que existía para mí. Allí ocurría todo; era la metrópoli más vibrante a la que podía aspirar con mis ahorros de verano.

El primer viaje siempre te arrolla por la cantidad de estímulos. El segundo suele ser la confirmación de que podrías vivir allí (al menos con la energía de los veinte años). Sin embargo, cuando aterrizas con una maleta dispuesto a empezar de cero, descubres que Londres puede ser tan hostil y fría como su latitud geográfica.

Forjar amistades británicas es un reto, escalar profesionalmente es una batalla, el coste de vida es asfixiante, la gastronomía un drama y el clima convierte cualquier rutina en una incomodidad constante. Es el peaje por habitar uno de los nodos del planeta; a cambio, accedes a experiencias que pocos conocerán jamás.

Años después, miro la ciudad con otros ojos. Ya no siento resentimiento y en mi última visita no pude ignorar la tienda que Jack White inauguró en el Soho en 2021. Es, posiblemente, la tienda de discos más elegante y repleta de personalidad que tiene la ciudad; una parada obligatoria incluso si no llevas intención de comprar nada.

Third Man Records, la discográfica que White fundó en 2001, ha ido colonizando ciudades de EE. UU. con una filosofía clara: el respeto absoluto por la música. Sus tiendas son templos visuales donde el diseño y el color crean una atmósfera irrepetible.

Jack White siempre ha sabido comunicarse sin necesidad de palabras: en sus puestas en escena, en sus discos, en su forma de exprimir el sonido e incluso en su forma de caminar. Su mente opera bajo sus propias reglas, y gracias a ello ha diseñado una experiencia sensorial total.

En sus tiendas no solo encuentras vinilos; puedes tocar la guitarra y probar sus pedales de efectos, comprar ropa diferente o curiosear artilugios de grabación únicos. Incluso puedes interactuar con el Literarium, una máquina expendedora que, a cambio de una moneda, te entrega un ejemplar al azar de su catálogo editorial.

Cada detalle está coreografiado para el disfrute, culminando en la joya de la corona: un espacio en el sótano destinado a actuaciones en vivo.

Finalmente, hay que poner en valor estas iniciativas frente a un mercado global que hace que Londres huela igual que Madrid, Atenas o Ámsterdam. Las mismas marcas ocupan todas las calles, comprando el espacio y desplazando al comercio local hasta desdibujar, por completo, la cultura de cada lugar.

Londres es ahora una ciudad mejor gracias a Jack White.

Londres. 14 de Diciembre de 2025. 16:00 h.

El sol comienza a esconderse y clavo la mirada, una vez más, en la entrada y los ventanales de los estudios Abbey Road.

Una banda que termina de grabar sus canciones, se hacen las últimas fotos frente al edificio, justo donde antes los Beatles aparcaban sus coches hace décadas. Una vez más estoy en Londres. Una vez más observo cómo el paso de cebra más famoso del planeta se convierte en una atracción gratuita repleta de culturas, y una vez más escribo mi nombre en sus muros con un viejo rotulador de color.

Sin embargo, esta vez todo es distinto: tengo entradas para visitar el mítico estudio 2.

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Viajar a Londres siempre es una buena idea, pero en Navidad la ciudad brilla con una magia especial y hasta parece más amable. Aunque no deja de ser un espejismo: Londres cambia radicalmente cuando cruzas la línea de turista a residente. Pero esa es otra historia…

Llevaba décadas dándole vueltas a cómo podría visitar el Estudio 2 de Abbey Road. Hasta ahora, todos los que habían vivido esa experiencia eran músicos que, lógicamente, habían grabado allí. Pero la mística de ver el sitio donde los Beatles registraron la mayoría de sus obras era demasiado grande. Año tras año, la idea de entrar en ese lugar aparecía de nuevo en mi cabeza y en 2025 llegó la oportunidad.

En 2024 fue la primera vez que un Cuarteto de Navidad ofreció varios pases, recuperando clásicos atemporales y explicando al detalle la inmensa cantidad de música grabada allí. En 2025 repitieron la iniciativa, quizá porque en diciembre la agenda del estudio lo permite, y durante seis días el Estudio 2 volvió a abrir sus puertas al mundo.

Fue emocionante entrar en el edificio, ver la recepción, recorrer sus pasillos y admirar cada fotografía que adorna las paredes. Tras bajar unas escaleras enmoquetadas y girar a la derecha, entré por fin en uno de los estudios más famosos del planeta. Lo había visto en cientos de imágenes, así que la sensación fue similar a visitar Nueva York: todo te resulta familiar de haberlo visto en las películas.

Me impresionaron sus techos altos y su inmensidad. Fue inevitable imaginar a los cuatro Beatles caminando cerca de la batería de Ringo mientras buscaban el sonido para I Am The Walrus o Taxman. Lo mejor vino después: pude tocar con mis propias manos varios de los pianos que ellos usaron y una de las míticas mesas donde George Martin y su equipo hacían la magia.

Te invito a acompañarme en este viaje. No hace falta pasaporte; solo tus recuerdos y un poco de imaginación.

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Quizá no recuerdes el momento exacto en que descubriste a los Beatles —porque siempre parece que estuvieron ahí—, pero es im-po-si-ble que olvides su música.

Durante los años 90 regresaron con fuerza, lanzando nueva música y abriendo la “cueva del tesoro” donde cientos de horas de grabaciones inéditas esperaban su turno.

‘Free as a Bird’ y ‘Real Love’ parecían los últimos conejos saliendo de la chistera: dos genialidades donde George, Ringo y Paul trabajaron sobre maquetas que John grabó en su casa de Nueva York. Pero en esas cintas había una tercera canción, ‘Now and Then’, que tuvo que esperar décadas hasta que la tecnología permitió aislar la voz de Lennon y limpiar el ruido que la acompañaba.

Gracias a ese avance tecnológico, el concepto de un “Anthology 4” empezó a tomar forma, y precisamente de eso trata el programa de hoy. Junto a Javier Polo —debes escuchar YA a su antigua banda, The Winnerys— nos sumergimos de lleno en los temas inéditos de este lanzamiento. Charlamos sobre las pistas sonoras que los cuatro de Liverpool nos dejan escuchar en estas grabaciones y, como colofón, Javi nos regala un set en acústico, la guinda perfecta para un programa donde apostamos por el sonido en directo.

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Llevo toda mi vida escuchando música y, a veces, me separo de ciertas bandas o sonidos durante un tiempo. Pero ¿por qué nunca me canso de los Beatles? Tal vez sea porque sus canciones me hacen sentir como en casa, porque siempre descubro matices nuevos o, simplemente, porque su legado sigue siendo insuperable.

Sé que es legítimo sentir esta pasión por otros grupos; cada uno tiene su refugio. Pero, a mis 46 tacos y después de miles de horas de música, muy pocas canciones me activan por dentro como lo hacen las de George, Ringo, Paul y John.

Por cierto, mójate: ¿cuál es tu Beatle favorito?

La radio cambió mi vida. Me conectó con algo profundo que no sabía que estaba ahí y me obligó a salir de mi zona de confort; ponerme frente a un micrófono es, todavía hoy, un ejercicio que me remueve por dentro.

Esa intensidad es la que vuelco en ‘Bienvenido a los 90’. Siempre quise conectar con personas que sintieran lo mismo que yo al escuchar aquellas canciones, por eso este proyecto no es solo mío: es un espacio abierto a colaboraciones donde las barreras entre creador y oyente se dinamitan.

Empiezo esta nueva aventura con muchas ganas de contar cosas relacionadas con el programa porque hay infinidad de momentos que no se pueden capturar durante una entrevista o un especial.

Además de las redes sociales, se creó un grupo de Telegram con la sana idea de tener un contacto directo con los oyentes, dinamitando las barreras y que el programa fuera de todos.

Por el camino me he encontrado con mucha gente que ve la vida de forma similar; personas que entienden que pasar horas hablando de música no es una pérdida de tiempo, sino lo más normal en nuestra parte del universo.

Somos los mismos que grabábamos cintas de cassette cuidando cada detalle, ordenando las canciones para que tuvieran un sentido narrativo. En aquel entonces, crear una mezcla era una forma de expresión tan íntima y válida como escribir una carta a mano. Y aunque estábamos a cientos de kilómetros de distancia, el sentimiento era exactamente el mismo.

Desde hoy, redescubrimos los 90 juntos. Este será el lugar donde compartiré todas esas historias que se quedan en el tintero y que dan sentido a cada programa.